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INTERVIEWS

INTERVIEW D'ELLY CHO, RÉALISATRICE ET PRODUCTRICE DE "ISLAND - SUM"


ÉDITION OCTOBRE 2022






INTERVIEW


Bonjour Elly ! Merci beaucoup de nous recevoir aujourd'hui. Island est une ode époustouflante à la nage et à la danse. C'est véritablement un ravissement pour les yeux et l'esprit. Comment cela a-t-il été rendu possible techniquement ? Pouvez-vous nous en dire plus sur les défis que vous avez dû relever pour y parvenir ?


C’est un tableau de danse et un voyage silencieux qui dépeint l'histoire d'une vie personnelle à travers des mouvements. C'est un dessin dans l'eau, avec des mouvements qui définissent les tons et les couleurs. Et parce que c'est comme un dessin avec des mouvements du corps, il peut aussi engendrer une poésie propre pour les spectateurs.


J'ai eu du mal à trouver les bons professionnels ayant l'expérience de la danse sous-marine, et cela a aussi été un défi pour moi de traduire mon langage visuel en une danse. Nous avons travaillé presque quotidiennement, en examinant mes croquis graphiques et la façon de créer les sentiments et les tons du mouvement spécifique que je voulais avec le chorégraphe. Byungwha Kim a ensuite créé un magnifique mouvement de danse reprenant la danse traditionnelle coréenne avec épées et la mélangeant à la danse moderne.


Je lui suis extrêmement reconnaissante d'avoir fait un travail aussi fantastique.

Je voulais mélanger la danse coréenne et la danse moderne car mon inspiration est partie de la danse classique-moderne que j'ai visualisée, inspirée par une épée dans un livre européen. J'ai utilisé deux épées car, lors de mes recherches sur ce projet, j'ai découvert que les danses traditionnelles coréennes étaient exécutées avec deux épées.

Nous avons fait des essais avec une lame, deux épées et puissans aucune épée.

Le danseur a trouvé plus facile de travailler sans épée pendant certains mouvements en raison de la gravité sous-marine.





Vous avez déjà expliqué que la « couleur du costume – noir et blanc » est destinée à souligner « l'instabilité émotionnelle qui suit l'engagement émotionnel des personnages ». Les postures et les mouvements avec l'épée dépeignent l'état psychologique du personnage causé par un conflit intérieur réprimé et inconscient (dû à) la vie sur une île. » Cependant, la danseuse « méduse blanche » semble accomplir un rituel – certains mouvements rappellent une cérémonie sacrificielle. L'épée de style katanga est parfois présente dans les tableaux de la "méduse" blanche, alors que le personnage vêtu de noir semble joyeux et insouciant. Oserait-on se demander si la mort n'intervient pas dans cet univers ?


L'esthétique de la couleur dans le film est liée à l'attitude envers une île. La couleur des costumes, les robes noires et blanches, soulignent l'instabilité émotionnelle qui suit l'engagement émotionnel des personnages. Les postures et les mouvements avec l'épée dépeignent les états psychologiques des personnages causés par le conflit intérieur refoulé et inconscient de la vie sur une île. Le costume blanc symbolise les animaux/espèces marins et comme vous l'avez décrit - une méduse. La chorégraphie avec ce costume suggère une période plus classique avec des épées et un engagement émotionnel réservé. La robe noire symbolise un style de vie moderne, dansant librement et exprimant ouvertement son émotion.


J'ai surtout pensé au mouvement de la danse et au concept de la vie. La palette de couleurs est limitée car je n'ai pas essayé de mélanger autre chose que la danse et le mouvement dans l'espace où il a été filmé. J'aurais pu associer le film à d'autres objets ou scènes avec plus de couleurs, mais je voulais dès le départ qu'il s'agisse davantage d'une performance – une performance que l'on ne pouvait voir que sur l'écran plutôt qu'en direct. C'est comme si l'on voyait la vie d'une personne à travers la performance d'une femme, qu'elle exprime par les mouvements de son corps. La gravité est une force qu'elle doit combattre tout au long du film pour survivre.


J'ai examiné différentes danses de mots de la dynastie Chosun pour rechercher les mouvements de la danseuse officielle dans une danse du sabre. La danse de l'épée Honam a la couleur locale de la région de Honam en Corée, qui utilise dans la danse des positions corporelles similaires à la danse Salpuri, une danse pour libérer le mal pendant une cérémonie chamanique.


Après avoir fait des recherches, j'ai appris que la chorégraphie peut devenir un art du spectacle en traitant l'épée non seulement comme un instrument de combat mais aussi comme un instrument de joie.


La référence historique de la danse de l'épée populaire en Corée provient de la dynastie Shilla. Selon des documents historiques sur la dynastie Shilla, Hwang Chang-rang, un homme de Silla, est entré à Baekje à un jeune âge et a exécuté une danse de l'épée devant le roi. Il a ensuite profité de cette occasion pour poignarder le roi avec une épée avant d'être tué par le peuple de Baekje. Le peuple de Silla en fut attristé. Ils ont fabriqué un masque avec son visage, en forme de danse de l’épée. C'est ainsi qu'est née la Geommu (danse de l'épée), qui est devenue une forme de danse sous la dynastie Joseon.


Dans cette danse, un nombre de femmes qui doit être pair portent des costumes d'officiers militaires tenant des épées à deux mains. Cette scène était dansée à la fois par les civils et par la cour. Aux 18e et 19e siècles surtout, la danse du sabre était très répandue, exécutée dans tout le pays par les fonctionnaires du gouvernement local.





Voyez-vous votre méduse humaine comme une ode à la féminité ?


Je vois ma performance comme un symbole de moi-même, vraiment, et je voulais représenter la danseuse comme un symbole des espèces marines. J'ai écrit un poème dans lequel l'épée coupe la méduse alors qu'elle rêve de s'échapper de l'île.

Comme je l'ai mentionné précédemment, la danse avec costume blanc représente une imagerie qui rappelle les peintures classiques du 18ème siècle, selon mon inspiration initiale. J'ai également fait référence à une peinture de danse du sabre de la dynastie Chosun. L'image rappelle une nature morte de la peinture, que j'appellerais un moment de capture du yin et du yang dans la vie.


Le costume blanc représente effectivement un animal marin, à savoir une méduse ou une seiche. Cependant, le fait de percevoir les visions de ce format est réservé aux visionnaires capables de les transformer en impressions précises. Mon équipe a fait un travail fantastique à cet égard. Avec le costume et la chorégraphie, nous avons donné vie à une image douce et délicate mais forte de femmes dansant librement et incarnant l'inconscient à travers la cartographie.


Il y a l'élégance de l'imagerie des natures mortes décrivant la vie des femmes, comme une collection de souvenirs en mouvement, reflétant délicatesse et poésie. C’est une ode à la féminité. Il existe une impression d'espace dans un lieu qui n'existe pas, créant des sentiments paradoxaux avec une danse dans cet espace de nulle part. Le décor du film présuppose une idée de l'espace comme une scène abstraite – un lieu sans lieu.

Au jour le jour, ces sentiments existent, mais ils sont enterrés par la pression d'être qui je suis.



Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur le choix de l'épée symbolique et l'interlude avec les nageoires/ méduses noires ? La méduse blanche et le cygne noir doivent-ils être considérés comme un seul et même tableau ou comme deux tableaux différents des deux protagonistes piégés sur leur propre île ? La vie sur une île est-elle une expérience de la claustrophobie ?


On pourrait le voir comme un seul tableau, car j'ai utilisé pour femmes en costumes blanc et noir la même personne dans différents fuseaux horaires et états d'esprit. Dans la scène en costume noir, la femme perd presque la tête en dansant sur ses rêves et ses espoirs. Dans la scène en costume blanc, les mouvements sont grandioses et audacieux, presque comme s’il s’agissait d’une méditation d’art martial, tout en conservant des sentiments réservés. On éprouve des sentiments paradoxaux à l'égard d'une action ou d'une chose quand on vit sa vie.


Ce sont ces moments que j'essayais de capturer et de faire ressortir en tant que sujet, en libérant ces moments dans un dessin abstrait au fond de l'eau. Ces sentiments paradoxaux entre la joie et le soulagement de la vie quotidienne dans l'agonie et l'inconfort, portés par une œuvre d'art sur la réalité et la fantaisie, m'ont donné une inspiration puissante qui ne pouvait être décrite que par une chorégraphie plutôt que par des mots.





Avons-nous raison de voir un hommage post-moderne au Lac des Cygnes ? Quelles sont vos inspirations au XXIe siècle ?


Je crois que je vois où vous voulez en venir. Pour faire référence à un film de danse sur ce thème, Black Swan est une pièce qui comprend une performance qui reflète le conflit du bien et du mal dans le ballet Le Lac des cygnes de Tchaïkovski. Je n'ai pas visionné cette pièce ou la danse originale du Lac des cygnes pour mon travail. Mon inspiration est venue de l'imagerie pure d'un livre de peinture européen du 18e siècle qui comprenait une épée. Je l'ai ensuite développée en une performance dansée faisant référence à une danse de l'épée coréenne du XVIIIe siècle. Je vois une similitude dans le sujet entre le Lac des cygnes et mon travail.

Le ballet est une forme d'art qui utilise le geste de l'illusion du triomphe sur la réalité et même sur la force de la gravité. Pourtant, dans ma pièce, la danseuse combat la force de gravité avec tout son corps tout au long de la performance, dépeignant la vie entre réalité et fantaisie d'une manière onirique. Ma pièce traite de la vie elle-même, alors que Black Swan traite du conflit entre l'idéal et la réalité.


Le Lac des cygnes d'Alexander Ekman est à la fois amusant et malicieux, et il s’agit d’une pièce spectaculaire dont je veux m'inspirer dans mes futures pièces. Le spectacle transcende les frontières, et je veux réaliser une pièce qui repousse les limites entre la danse et la fantaisie. Je veux dire par là que je veux pousser les choses jusqu'à un mouvement de chorégraphie de combat, planifier les séquences d'action pour qu'elles soient plus expérimentales et innovantes, en utilisant l'épée comme instrument de joie comme dans ma pièce Island. Ce sera à plus grande échelle, avec un plus grand nombre d'interprètes.





La danse est-elle un baume pour l'esprit?


Comme je l'ai mentionné dans ma réponse à la question 3, l'île traite des sentiments paradoxaux entre la joie et le soulagement de la vie quotidienne dans l'agonie et l'inconfort, traduits dans une pièce de danse sur la réalité et la fantaisie. Dans la scène avec le costume blanc, son mouvement était conçu presque comme une méditation de type arts martiaux, et elle était totalement immergée dans ses propres sentiments. Beaucoup de mes peintures, œuvres d'art et dessins sur photographies sont des dessins automatiques exprimant le subconscient.


Je dessine de cette manière depuis le début de ma carrière artistique. Lorsque je fais un dessin automatique, j'ai l'impression d'être perdue dans la création, de méditer sur l'art.

Le crayon frappe le papier, et il ne s'arrête que lorsque la page est terminée, comme si elle sortait de moi. C'est un processus organique, dessiner l'œil de votre esprit. Cela emmène votre esprit, et l'œil de votre esprit, dans un endroit qui est généralement inexploré.

Ainsi, dessiner avec des mouvements de danse sous l'eau est pour moi la même chose que dessiner sur une feuille de papier.





Dans votre déclaration sur cette réalisation, vous avez dit : « À travers mon travail, je cherche à insuffler au spectateur une conscience hautement chargée, mais nostalgique, des choses du passé. En m'engageant dans ce processus, je suis frappée de voir à quel point l'histoire personnelle des gens façonne leurs paysages culturels et leurs perceptions de la nature. Je souhaite poursuivre l'expérience en encourageant un engagement politique qui permette à l'œuvre d'art et à l'environnement de contribuer conjointement au discours artistique actuel. » Avons-nous raison d’entrevoir des projets futurs naissants derrière cette déclaration ?


J'ai toujours exploré des sujets d'actualité. Je les prends et les transforme en performance en utilisant la vidéo, comme dans la performance de Sounds of Fragment: Ecological Dreams (2017) et aussi Fragments: Reconstructing History and Memory in East Asia (2016). J'ai également exploré la vie comme sujet dans mes œuvres cinématographiques et vidéo. Je pense que le choix du support dépend du sujet. Dans mon prochain projet pour 2023, je vais continuer à travailler sur les nouveaux médias artistiques avec l'IA, qui explore le changement climatique et la crise de l’extinction que nous traversons. C’est un travail j'ai commencé en 2019.


J'ai également un film documentaire de danse dans mes projets, que j'ai déjà commencé en choisissant les membres de mon équipe pour ce projet.

Je me prépare pour mon film documentaire et mon film de danse. Ce sont deux projets distincts, mais ils seront reliés l'un à l'autre. Le film documentaire contiendra également de la danse. Je veux réaliser un documentaire qui aura un impact sur l'esprit des gens, de manière à transformer ou à améliorer leur mode de vie.


Comme je travaille également sur mon premier long métrage, j'apprends de nouvelles stratégies pour le produire. Le film sera musical dans le sens où il contiendra à la fois des sons de la nature et de la musique, ainsi qu'un mélange de mouvements corporels et d'entretiens avec des personnes. Le support audiovisuel peut jouer un rôle décisif dans la transgression du langage parlé en incorporant les sons de la nature et en utilisant la mémoire comme un flux de la conscience, associant la musique comme un dialogue entre le sujet et les lieux. Tous ces éléments joueront un rôle dans la mise en évidence de la nécessité de changer, de transformer et d'agir sur les défis climatiques. Tels sont mes objectifs pour le film. Mais je vais devoir le travailler davantage pour évaluer les besoins et développer le concept et les visuels.


Le film documentaire porte sur le changement climatique et sa relation avec notre crise de l’extinction. Au cours de ma carrière artistique, j'ai également expérimenté le mouvement du corps et la danse dans le cadre de mon travail vidéo. J'ai produit quelques œuvres utilisant la danse, la musique et le dialogue en rapport avec l'existence des êtres, l'écologie et l'humanité. Mon long métrage sera lié à ces sujets, en se concentrant sur la crise de l'extinction et sur la façon dont le mouvement du corps se connecte à la nature environnante. J'en suis actuellement au stade de la recherche.



Quelle est votre vision du cinéma post-COVID. Pensez-vous que des changements importants sont susceptibles d'intervenir ?


Je pense qu'en Corée, les gens s'épanouissent en vivant des expériences réalistes dans des environnements numériques, tout en allant au cinéma en s’y rendant physiquement.

Ils sont à la recherche de ce que la technologie de pointe a à leur offrir.


En tant qu'artiste, je veux me mettre au défi de créer un contenu qui utilise les nouveaux médias, comme les outils pour réaliser ma vision, c’est-à-dire l'IA et le métavers dans le contexte du cinéma. Ce contenu peut ensuite être apprécié dans un environnement domestique, mais aussi en ligne ou dans un cinéma/théâtre. Je souhaite créer du contenu motivé par l'utilisation de technologies innovantes et le rendre disponible en ligne ou dans un environnement physique.




BIO


Elly Cho

Chorégraphe & Réalisatrice





Elly Cho a exposé dans le monde entier et a reçu de nombreux prix. Son art explore l'intersection entre la nature, l'environnement et le comportement humain, à travers divers médias, notamment des techniques multi-médium, la vidéo et l'art de la performance.


L'approche artistique d'Elly Cho s'inspire largement de la relation entre la nature, l'environnement et la perception de la nature par le spectateur en fonction de son histoire personnelle.


Elle aborde le sujet des paysages culturels sous une forme narrative, et ces récits sont souvent liés à ses propres expériences et souvenirs. Dans son travail vidéo, elle utilise des paysages familiers qui incitent les spectateurs à s'engager dans une réponse onirique.


Les courts-métrages et les installations de Cho ont reçu de nombreux prix internationaux, notamment le "Sunny Art Prize" à Londres, une "Luciole d'Or" au "Cannes World Film Festival - Remember the Future", dans la catégorie Best Experimental Film (édition d'octobre 2022), ainsi qu'à "Berlin Shorts". Cho a également été récompensée dans les catégories Best Silent Film, Best Dance Choreography Film et Best Experimental Film au "New York International Film Awards" et au "Washington DC Cinema Festival". Son travail a été projeté dans des festivals de cinéma tels que le "Times Square Midnight Moment" à New York. Cho a reçu le prix d'excellence au "Beyond the Curve International Film Festival" à Paris ainsi que le prix de la meilleure réalisatrice au "Asia Film Art International Film Festival" à Hong Kong, puis le prix Myers Community Art Project de l'Université de Columbia à New York, et s’est vu attribuer une résidence dans le cadre du programme de résidence d'artistes du 3-D Sculpture Park en Suisse, la résidence de la fondation AHL à New York.


Ses œuvres figurent dans d'importantes collections telles que le musée municipal de Séoul et le musée cantonal des beaux-arts du Valais en Suisse, ainsi que dans des expositions telles que "Nature's Tempo" aux services culturels coréens de New York et "Going Green" en collaboration avec Queens Art Express à New York. Elle est passionnée par l'art de la performance, et ses projets incluent "Sounds of Fragment: Ecological Dreams" au Nam June Park Art Center et au Seoul Innovation Park.


Née et éduquée en Corée, Cho a également étudié en Suisse et elle est titulaire d'un BA et d'un MFA de la Slade School of Fine Art de Londres et d'un MA en éducation artistique de l'Université de Columbia. Après avoir obtenu son MFA, elle a enseigné les arts visuels ainsi que leurs aspects théoriques dans des universités coréennes.



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