INTERVIEW AVEC BILLY MARCHENSKI, RÉALISATEUR, PRODUCTEUR & SCÉNARISTE DE "LIGHT - BEARER"
Best Experimental Film & Best Sound Design - Édition Octobre 2021
INTERVIEW
Merci pour cette magnifique œuvre d'art, Billy Marchenski. Pouvez-vous raconter au public comment l'idée est née ?
L'idée de cette œuvre vient d'un rêve que j'ai fait quand j'étais jeune, dans lequel je me retrouve face à face avec Lucifer, le diable. Lucifer était l'étoile la plus brillante du Ciel, et il a été chassé du paradis pour s'être rebellé contre l'autorité de Dieu. Je me souviens avoir raconté ce rêve à Lesley Ewen après un spectacle, un soir où nous prenions un verre ensemble à Vancouver.
Le temps a passé, l'épidémie de Covid s'est produite et ma famille et moi avons vécu la première quarantaine au début du mois de mars 2020. Lesley, qui vivait à Londres depuis quelques années, a suggéré que nous fassions quelque chose en nous inspirant du rêve.
Comme nous étions tous deux bloquées à la maison, sans pouvoir travailler, nous nous sommes dit, pourquoi pas ? Le soir, une fois ma famille couchée, je créais une chorégraphie dans le salon. La mère de ma fille me regardait d'un drôle d'air lorsqu'elle sortait de la chambre pour faire pipi ou boire un verre d'eau. J'enregistrais les mouvements sur mon ordinateur et les envoyais à Lesley qui me faisait part de ses réactions et, pour nourrir l’inspiration, m’envoyait des images et des vidéos de choses qui, selon elle, se rapportaient à la vie intérieure de l’œuvre. Nous avons échangé par e-mail et au téléphone et la structure de l’œuvre semblait se mettre en place toute seule. L'enfermement s'accompagne de sentiments d'incertitude quant à l'avenir et d'un sentiment de coupure avec la famille et les amis. Cela m'a permis de comprendre Lucifer comme quelqu'un de tout aussi isolé. Il est complètement seul.
Filmer la danse demande des compétences particulières. Était-ce votre premier essai, en termes de réalisation ? Quels ont été les défis, le cas échéant ?
C'était ma première tentative de réaliser et de jouer dans un film de danse ou un film expérimental, les défis étaient nombreux. Travailler sur la conception sonore a été un tournant abrupt dans mon apprentissage abrupte. J'ai réalisé un enregistrement approximatif dans ma cuisine un soir, avec un ensemble de carillons que j'aimais bien, j'en ai adoré l’effet hypnotique, mais je ne savais pas quoi faire de cet enregistrement brut.
Andreas Kahre, qui est un collaborateur de longue date, a été très généreux lorsque je lui ai envoyé le morceau. Il a accepté de travailler dessus et a décidé d'utiliser les sons bruts comme source pour en extraire tous, ou presque tous les autres sons qu'il avait imaginés pour la conception sonore. Le principal défi que j'ai rencontré avec le son était de trouver le bon équilibre. Je voulais que le son laisse de l'espace au corps et lui permette d'avoir sa propre présence, mais aussi qu'il dirige parfois les transitions de la chorégraphie.
Andreas a été très patient avec moi alors que nous ajustions et réajustions les détails de la piste. Je pense qu'il a fait un excellent travail en trouvant la bonne tension entre le dénuement et l'énergie.
Lesley Ewen est créditée pour la dramaturgie. Pouvez-vous nous parler de sa contribution, et de la manière dont elle se combine avec la chorégraphie en tant que telle ?
Lesley et moi sommes de vieux amis. Nous travaillons ensemble depuis des années et nous nous faisons mutuellement confiance. C'est très important, car nous pouvons être honnêtes l'un envers l'autre. Lesley a été très claire sur les choses qui, selon elle, ne fonctionnaient pas ou étaient inutiles. J'aurais peut-être pris mal pris ces commentaires s'ils m’étaient venus de quelqu'un d'autre. Elle m'a rappelé l'importance de l'intention de cette création.
Toute la chorégraphie est liée à l'imagerie et aux circonstances qu'elle et moi avons établies au cours du processus de construction de la vie intérieure de l'œuvre. C'est un processus similaire à la façon dont un acteur construit la vie intérieure d'un personnage.
Le film est un plan-séquence parfait. Combien de répétitions avez-vous dû faire pour obtenir ce résultat ? Quelles ont été les conversations avec votre Directeur de la photographie ?
J'ai passé des heures à créer et répéter la chorégraphie dans mon appartement, en utilisant le son brut que j'avais enregistré pour l'inspiration et le timing. Je savais que je voulais tourner sur cette plage, où je m’étais déjà rendu plusieurs fois. À marée basse, on peut y marcher jusqu’à 4 kilomètres avant d’atteindre l’océan, et j'aime l'étendue du paysage. J'ai montré à Israel Seoane, le Directeur de la photographie, certaines des séquences d'essai que j'avais enregistrées dans mon appartement et il a voulu tourner le film en une seule prise.
J'ai aimé ce choix, mais j'étais inquiet quant à la manière dont nous pourrions y parvenir. Il allait être difficile d'exécuter l'ensemble de la chorégraphie sans faire d'erreur, surtout en étant dehors, dans les éléments. Mais j'ai aimé l’idée que notre travail allait être fortement influencé par notre environnement. À cette époque, il y avait des feux de forêt dans l'État de Washington. La fumée des incendies s'était propagée jusqu'à Vancouver et la ville entière était plongée dans une brume blanche. J'ai pensé que nous devions en profiter. Le lendemain, Isra et moi sommes allés en repérage, avons trouvé un endroit qui nous plaisait et avons préparé le tournage.
Nous avons tourné la pièce entière trois fois le jour suivant. À la fin, je tremblais de froid et je n’en pouvais plus. Comme nous tournions sur un banc de sable dans l'océan, le niveau de l'eau avait changé depuis notre arrivée. À certains endroits, il y avait des piscines plates de plusieurs centimètres de profondeur et la lumière brumeuse de la fumée créait ces miroirs tout autour de nous.
C'est à ce moment-là que nous avons décidé de revenir le lendemain et de refaire la prise de vue, en incorporant le reflet de l'eau. Le jour suivant, nous avons fait trois autres prises, et je pense que c'est la deuxième que nous avons choisie à la fin. J'adore la façon dont le reflet crée un enfer inversé dans lequel Lucifer est piégé.
Bien qu'elle atteigne souvent des niveaux élevés de technicité, la danse est aussi une expression humaine spontanée. Quel est votre point de vue sur les conditions "restrictives" dans lesquelles beaucoup de jeunes en Occident ont dû vivre, les empêchant, entre autres, de danser ?
Sur le plan artistique, les restrictions sont un cadeau. Je n'aime pas qu'on me donne trop d'options. Cela me stresse. Les restrictions peuvent être un soulagement, mais je pense qu'il s'agit de travailler avec le bon type de restrictions. Lorsque vous travaillez avec des restrictions, des choses commencent à se produire. Si vous faites une erreur, cela signifie que vous travaillez vraiment. Si vous pouvez travailler avec des restrictions et vous autoriser à commettre des erreurs, vous pouvez vraiment vous exprimer. La technicité n'est qu'un ensemble de restrictions. Elle est utile jusqu'à ce qu'elle empêche l'expression, et elle doit alors changer.
Quel est le rôle de l'artiste dans la société ?
Se laisser toucher par le monde qui nous entoure et le renvoyer à lui-même.
Pouvez-vous nous parler de vos projets à venir ?
Lesley Ewen et moi travaillons sur une œuvre également basée sur un rêve, un cauchemar. Cela me fait un peu peur, je suis donc heureux qu'elle présente au cours du processus.
Israel Seoane et moi commençons à tester quelque chose en collaboration avec un plasticien de Vancouver, un sculpteur basé à East Van’. La pièce pourrait également comporter un élément live.
La scène et le public me manquent, alors c'est excitant pour moi. C'est là que j'ai commencé et j'adore ça. La vitalité a une grande influence sur moi. Je veux que mon travail cinématographique crée une sensation viscérale chez le public.
Quelle est votre vision du cinéma post-Covid, pensez-vous qu'il y aura des changements importants ?
Les changements les plus notables dans le cinéma post-Covid, je pense, viendront du désir de renouer avec l'expérience de regarder des films avec d'autres personnes dans une vraie salle de cinéma. Il y a une excitation, une anticipation dans ces espaces publics, et j'ai le sentiment que cela manque aux gens.
Sur le plan artistique, l'un des aspects positifs de l'enfermement est qu'il m'a donné l'espace mental et le temps de clarifier le type de travail que je veux faire. Surtout dans les premiers mois de la première vague ici sur la côte ouest, nous avons été forcés de ralentir et de regarder à l'intérieur.
Le fait de me sentir déconnecté de mes amis, de ne pas pouvoir voyager, de m'ennuyer avec les routines qui sont devenues une partie inhérente de la culture d'enfermement m'a motivé à faire ce film selon mes propres termes. Et là encore, mes collaborateurs et moi avions beaucoup de temps libre à consacrer au projet. L'expérience de la réalisation de "light- bearer" est une chose sur laquelle je pourrai revenir, si et quand la vie s'accélérera à nouveau. J'espère qu'elle me rappellera de vérifier régulièrement cette clarté intérieure et de prendre le temps de faire le travail que je dois faire.
BIO
BILLY MARCHENSKI
RÉALISATEUR, PRODUCTEUR & SCÉNARISTE
Billy Marchenski a étudié la création, l'écriture, le jeu, la danse contemporaine et la mise en scène à l'École des arts contemporains de l'Université Simon Fraser à Vancouver, en Colombie-Britannique, au Canada.
Il travaille en tant que créateur de théâtre professionnel, acteur et danseur contemporain depuis 20 ans. Il a été membre de la compagnie de Butoh Kokoro Dance de Vancouver pendant cinq ans, et a créé le groupe de Butoh "gigamal" avec des artistes de Vancouver et de Kyoto, au Japon.
Le premier spectacle de Gigamal, "taker", a été présenté en première au Boombox à Vancouver en février 2020. Billy est le lauréat du prix Sydney J. Rysk pour une pièce exceptionnelle pour "slowpoke", une pièce sur ses expériences dans et autour de la zone d'exclusion de Tchernobyl en Ukraine. "light- bearer" est son premier film, créé avec la dramaturge Lesley Ewen, amie et collaboratrice de longue date.
